Als Nate Amos in seinen Zwanzigern jeden seiner musikalischen Impulse auf Bandcamp hochlud, veröffentlichte er eine besonders ausgefallene Tranche von Songs, die sich auf „Technologie, die die Natur verdirbt“, konzentrierten, sagte er Wächter kürzlich. Bald verstand er diesen lauten Zauber als Symptom von Angst und Depression: „Die Schönheit lag im Unbekannten, weil es mir mit dem Bekannten so schwerfiel.“ Das neuere Werk, das ihm als „This Is Lorelei“ einen Namen gemacht hat, ist im Gegensatz dazu bezeichnend klar, das Werk von jemandem, der nun Unbehagen auf den Punkt bringen und es schön machen kann.
Es ist nicht schwer, das mit Amos‘ jüngster Nüchternheit in Verbindung zu bringen. Sein offizielles Debütalbum, 2024’s Box für Buddy, Box für Star– eine kristallklare Popplatte, die heimlich den Status eines Meisterwerks erlangte, bestätigt durch eine All-Star-Neuinterpretation – erschien, nachdem er sich mit seinem Alkohol- und Substanzkonsum befasst hatte. Während einige Leute behaupten, dass sie sich parallel zu einer solchen Veränderung einer völligen Persönlichkeitserneuerung unterziehen würden, dachte Amos über diese Idee nach und hielt sie für unehrlich. Man kann es hören KastenDie vielen unbändigen Stile des Komponisten und die Art und Weise, wie er seine zeitlosen Popsongs in diffusere Arrangements auflockern ließ, um die Idee einer zu ordentlichen Auflösung zurückzuweisen: ein Zeichen dafür, dass er nicht nur ein sparsamer Autor mit einem Auge für eng verschachtelte Bilder war („Und ich weiß, es sind nur Karten/Aber Liebe, ich spüre dein Herz in Hülle und Fülle“), sondern ein ebenso bewusster Komponist.
Der Sänger in meiner Band drängt weiter in eine fast prälapsartige Einfachheit: schwungvolle, abgewetzte Country-Songs, munter mit Twang und Walking-Basslinien. Amos schnitzt unendlich bezaubernde Melodien wie einer dieser Tischler am Straßenrand, der ebenso gut in der Lage ist, eine Ente wie ein Motorrad zu schnitzen. Als Hut vor seinem Bluegrass-Genie-Vater (der dem Titeltrack ein elektrisierendes Banjo hinzufügt), bedeutet der straffere Sound Sänger hat nicht den Elsterglanz von Kasten. Aber selbst innerhalb dieser Grenzen beweist Amos weiterhin, dass er einer dieser Menschen ist, die einfach in allem gut sind: Möchtegern-Standards, pikareske Kapriolen; Cowpunk-Farce, brennender Frust, reinster Herzschmerz. „Du hattest recht, zu gehen, meinst du nicht?/When I would not trade a good night for a better day“, singt er auf „And I Haven’t Seen My Love in Quite a While“, einer selbstzerreißenden Interpretation des Themas der Platte, ob man seiner wahren Natur entkommen kann. Die Fokussierung des Klangs unterstreicht das Gefühl, dass Amos das alles ernsthaft rätselt.
Amos hat erklärt Sänger ein „Road Record“, bei dem es heißt, dass er diese Songs von der Rückbank des Lieferwagens aus ins Leben gerufen habe und dass die schlüpfrigen Protagonisten von Charakteren inspiriert seien, die er auf Tour getroffen habe. Er hat ein genaues Auge für die Motivation der Charaktere; In seinen Händen wirken Lieder, die einst vielleicht tagebuchhaft waren, apokryphisch. Dieser liebenswürdige Chronist von Gesetzlosen nutzt Joey, Billy, Buddy, Sarah, einen mit einer Pistole bewaffneten Kristallhändler und andere als Fenster, um zu verstehen, was es bedeutet, das Leben zu verlassen – oder endlich aufzutauchen. Beim Opener „I Will Eat My Heart in the Morning Light“ lebt Amos nicht in der Vergangenheit oder der Zukunft und überlässt Gott nicht das Steuer – er bleibt präsent und nimmt sich die Zeit, die kommt. Getreu seinem Wort schlendert das gebürstete Arrangement luftig dahin; Die Momente, in denen seine Stimme genau mit dem Bass harmoniert, sind die Momente natürlicher Synchronizität, die die Belohnung für dieses Leben sind.
