Taylor Swift wird immer einen der großartigsten Songwriting-Kataloge aller Zeiten haben. Das kann ihr niemand nehmen. Aber ich höre mir die erste Strophe von „Patient Zero“ an, Teil einer Vier-Song-Neuauflage des letztjährigen Albums Das Leben eines Showgirls angerufen Die Zugabeund denke ernsthaft und offen: Was zum Teufel? Es ist schwer, eine Grenze zu ziehen zwischen diesem Hundefrühstückslied, in dem es darum geht, sich mit dem Ex eines Ex über seine toxischen Verhaltensmuster zu bemitleiden, und einem Track wie beispielsweise „Dear John“, der 16 Jahre zuvor veröffentlicht wurde und etwa 16-mal klarer und brutaler ist, wenn es um die Ausweidung eines doppelzüngigen Playboys geht. Das Konzept der „Ökonomie“ scheint in Swifts Welt vollständig durch „Skaleneffekte“ ersetzt worden zu sein.
Es ist schwer, über Taylor Swift im Jahr 2026 zu schreiben, weil viele Kritiken bitter und herablassend rüberkommen. Schließlich ist sie eine der größten Musikerinnen, die die Welt je gesehen hat, und sie hat sich so erfolgreich gegen inhaltliche Kritik gewehrt: Diejenigen, die ihre Marketing- und Veröffentlichungsstrategien in Frage stellen, wollen einfach nicht, dass eine Frau gewinnt, und der Rest der Hasser ist wahrscheinlich nur neidisch. Meistens ist es schwierig, über Taylor Swift im Jahr 2026 zu schreiben, weil ihre Musik fast völlig an Tiefe und Bedeutung verloren hat. Es ist lange her, dass sie einen Song wie „The Archer“ veröffentlicht hat, der vor roher, nervöser Energie wie ein freigelegter Draht summte, oder „Call It What You Want“, ein völlig kitschiges Liebeslied, das in seiner verschwommenen, verliebten Wärme dennoch absolut glaubwürdig ist.
Die Zugabe hat seine eigene Version von „Call It What You Want“. Es heißt „Cleveland!“ und stellt möglicherweise den absoluten Tiefpunkt von Swifts Katalog dar: Angenehmer als „ME!“, selbstgefälliger als „CANCELLED!“, klischeehafter als „Bad Blood“. Es ist ein Liebeslied über Swifts neuen Ehemann Travis Kelce, das ganz auf Swifts eigene Antagonisten fixiert ist und auf einer flotten Belles-meets-5-Minute-Crafts-Produktion aus der Spätzeit basiert. Der latente Gemeinschaftsgeist der „Woah-oh-ohs“ im Refrain des Liedes wird durch den hässlichen, defensiven Solipsismus der Texte ausgelöscht, der die Tatsache feiert, dass Kelce „das nicht gelesen haben muss/Cathing take ‚bout how I’m fake“. Es ist bezeichnend, wie viele Strohmann-Kritiken Swift durchlaufen kann, ohne die Kritik zu erreichen, die ich am häufigsten von ihren eigenen Fans sehe: dass sie die Qualität ihres Songwritings zugunsten der kommerziellen Dominanz in den Hintergrund rücken lässt.
Ich mag „Call It What You Want“, weil es das Gefühl der ersten Frühlingstage mit großen Augen vermittelt Ruf in ein Lied. Auf dieser Platte war die neue Romanze nicht deshalb aufregend, weil sie Swifts Hassern das Gegenteil bewies, sondern weil sie zeigte, dass die öffentliche Meinung nicht so wichtig war wie etwas Persönlicheres und Realeres. Das beste Lied überhaupt Die Zugabe„Pink Clouding“ ist nur einen Steinwurf von der Größe entfernt, auch wenn es in der Art von faulen Entscheidungen steckt, über die ich das Gefühl habe, dass eine frühere Version von Swift sich darüber lustig machen könnte. Die Namen einiger verschiedener Rosatöne in ein Lied zu packen mag für den Autor lustig sein, aber es schafft keine Tiefe für den Hörer; Anders als bei „Red“ haben die genannten Farbtöne keine wirkliche Bedeutung, abgesehen von ihrer Verbindung zur rosafarbenen Trübung, einem Suchtheilungskonzept, von dem ich nicht sicher bin, ob Swift es wirklich versteht. Ich mag das Lied immer noch irgendwie, vielleicht weil ich zum ersten Mal seit langer Zeit das Gefühl habe, dass in Swifts Schreibstil ein Gefühl der Mehrdeutigkeit herrscht; Vielleicht liegt es daran, dass die Brücke einen zittrigen Stopp-Start-Takt hat, der sich straff und präzise anfühlt, statt schlampig und überschrieben; Vielleicht, weil es besser ist als die anderen Lieder, mit denen es zwangsweise zusammenleben muss.
